Womit verdienen professionelle Künstler:innen eigentlich ihr Geld?

Es gibt eine einfache Vorstellung davon, wie Künstler:innen Geld verdienen.

Arbeit machen.

Sie verkaufen.

Von den Verkäufen leben.

Für manche Künstler:innen sind Verkäufe tatsächlich eine wichtige Einkommensquelle.

Aber die professionelle Realität ist häufig komplizierter.

Künstler:innen können durch Verkäufe, Aufträge und Honorare Geld verdienen.

Sie können unterrichten.

Sie können andere Künstler:innen assistieren, Arbeiten herstellen, Vorträge geben oder andere Tätigkeiten im Kunstbereich ausüben.

Sie können Förderungen oder Stipendien erhalten, die Zeit, Recherche oder Produktion finanzieren.

Sie können außerhalb der Kunst arbeiten.

Innerhalb ihres Haushalts kann eine weitere Einkommensquelle bestehen.

Und all diesen Einnahmen stehen die Kosten gegenüber, die notwendig sind, um die Arbeit überhaupt zu machen.

Die hilfreiche Frage lautet deshalb nicht nur:

Wie viel verdient ein:e Künstler:in?

Sondern:

Woher kommt das Geld, was muss davon bezahlt werden und wie viel davon steht tatsächlich zur Verfügung, um ein Leben und eine Praxis zu tragen?

Die kurze Antwort lautet:

Professionelle Künstler:innen stützen eine Praxis und ein Leben häufig auf mehrere Einkommensquellen. Der Verkauf von Arbeit ist eine davon. Er ist nicht das gesamte wirtschaftliche Bild.

Eine solche gemischte Struktur macht die Praxis nicht weniger professionell.

Sie garantiert aber auch keine finanzielle Sicherheit.

1. Es gibt nicht das eine Künstler:innen-Einkommen

Ein Grund dafür, dass Zahlen zum Einkommen von Künstler:innen verwirrend sein können, liegt darin, dass verschiedene Untersuchungen unterschiedliche Dinge messen.

Creative Australia unterscheidet zwischen:

kreativem Einkommen,

kunstbezogenem Einkommen,

und Einkommen außerhalb der Kunst.

Unterrichten fällt dort hauptsächlich unter kunstbezogene Arbeit und nicht unter das Einkommen aus der eigenen kreativen Praxis.

Eine deutsche Studie von 2025 unter bildenden Künstler:innen zieht die Grenze anders.

Dort wird künstlerisches Lehren zum Einkommen aus künstlerischer Tätigkeit gerechnet.

Wenn diese Studie also davon spricht, ausschließlich von künstlerischer Tätigkeit zu leben, bedeutet das nicht, ausschließlich vom Verkauf von Kunstwerken zu leben.

Eine britische Untersuchung unter DACS-Mitgliedern unterscheidet wiederum zwischen:

selbstständigem Einkommen als bildende:r Künstler:in,

dem gesamten persönlichen Einkommen,

und dem Haushaltseinkommen.

Das sind drei verschiedene Beträge.

Deshalb gibt es keine sinnvolle weltweite Antwort auf:

Wie viel verdient ein:e Künstler:in?

Bevor eine Zahl etwas aussagt, muss klar sein, was sie misst.

Verkäufe?

Alle künstlerischen Tätigkeiten?

Unterrichten?

Alle Jobs einer Person?

Haushaltseinkommen?

Bruttoeinkommen vor Kosten?

Je nachdem, wo die Grenze gezogen wird, kann die Antwort sehr unterschiedlich ausfallen.

2. Sechs Stellen, an denen Geld in einer künstlerischen Praxis vorkommen kann

Hilfreicher ist es, die unterschiedlichen Rollen zu betrachten, die Geld innerhalb einer Praxis spielen kann.

Geld aus der Arbeit

Dazu können gehören:

Verkäufe von Kunstwerken,

Aufträge,

Künstler:innen-Honorare,

Honorare für Kunst im öffentlichen Raum,

Lizenzierung,

Editionen,

und Projektvergütungen.

Das ist die Art von Einkommen, an die viele zuerst denken, wenn sie sich vorstellen, wie Künstler:innen Geld verdienen.

Aber es ist nur ein Teil des Systems.

Geld rund um die Arbeit

Dazu können gehören:

Unterrichten,

Workshops,

Vorträge,

Assistenz,

Fertigung,

Arbeit in Kunstorganisationen,

technische Tätigkeiten,

oder andere professionelle Rollen, in denen künstlerisches Wissen eingesetzt wird.

Manche dieser Tätigkeiten liegen sehr nah an der eigenen Praxis.

Andere weiter entfernt.

Untersuchungen ordnen sie zudem nicht immer gleich ein.

Geld, das Zeit kauft oder bestimmte Kosten übernimmt

Förderungen, Stipendien, Fellowships und manche Preise können zum Beispiel finanzieren:

Recherche,

Produktion,

Weiterbildung,

Reisen,

oder eine Phase, in der weniger andere bezahlte Arbeit notwendig ist.

Dieses Geld ist häufig zeitlich begrenzt und wettbewerblich vergeben.

Es ist nicht automatisch eine dauerhafte Einkommensquelle.

Geld außerhalb der Kunst

Viele Künstler:innen haben zusätzlich eine Beschäftigung oder Selbstständigkeit außerhalb des Kunstbereichs.

Dieses Einkommen kann Miete, Lebensmittel, ein Atelier oder Materialien finanzieren.

Gleichzeitig kann diese Arbeit Zeit beanspruchen, die sonst für die Praxis zur Verfügung stünde.

Beides kann gleichzeitig stimmen.

Ressourcen, die Kosten reduzieren

Nicht jede wirtschaftliche Ressource ist Einkommen, das die Künstler:innen selbst verdienen.

Ein:e Partner:in kann einen Teil der Haushaltskosten tragen.

Familie kann unterstützen.

Wohnkosten können geteilt werden.

Ein Atelier kann subventioniert sein.

Menschen können unbezahlt helfen.

Solche Ressourcen können stark beeinflussen, wie viel Geld die Praxis selbst erwirtschaften muss.

Die Kosten der Arbeit

Schließlich fließt auch Geld aus der Praxis.

Ateliermiete.

Materialien.

Fertigung.

Rahmung.

Versand.

Versicherungen.

Reisen.

Ausstattung.

Dokumentation.

Steuern.

Professionelle Dienstleistungen.

Bewerbungsgebühren.

Künstlerisches Einkommen lässt sich deshalb nicht verstehen, indem man nur auf das Geld schaut, das hereinkommt.

3. Wie viel kommt direkt aus der künstlerischen Arbeit?

Die stärksten Untersuchungen in diesem Research zeigen keine Situation, in der die meisten professionellen Künstler:innen vollständig von direktem kreativem Einkommen leben.

In der Untersuchung von Creative Australia unter professionellen Künstler:innen verschiedener Kunstformen lag das durchschnittliche Bruttoeinkommen 2021 bis 2022 bei 54.500 australischen Dollar.

Dieser Durchschnitt setzte sich zusammen aus:

23.200 australischen Dollar aus kreativer Arbeit,

15.300 australischen Dollar aus kunstbezogener Arbeit,

und 16.000 australischen Dollar aus Arbeit außerhalb der Kunst. ^↗

Nur 21 Prozent gaben an, den von ihnen selbst genannten Mindestbetrag für ihren Lebensunterhalt allein aus der kreativen Praxis decken zu können. ^↗

Das ist keine Zahl ausschließlich für bildende Künstler:innen.

Außerdem handelt es sich um einen Durchschnitt und nicht um einen Median.

Aber sie macht etwas deutlich:

Die kreative Praxis war der größte Teil des durchschnittlichen Einkommens, ohne die gesamte wirtschaftliche Struktur zu bilden.

Die deutsche Studie von 2025 liefert Daten speziell zu bildenden Künstler:innen, verwendet aber andere Kategorien.

Unter den selbst ausgewählten Befragten gaben 90 Prozent an, weniger als 20.000 Euro pro Jahr aus künstlerischer Tätigkeit zu verdienen.

Etwa ein Fünftel sagte, den Lebensunterhalt ausschließlich aus dieser künstlerischen Tätigkeit zu bestreiten. ^↗

Und auch hier gilt: Künstlerische Tätigkeit umfasst in dieser Untersuchung auch künstlerisches Lehren.

In der britischen DACS-Untersuchung lag der Median des selbstständigen Einkommens als bildende:r Künstler:in bei 12.500 Pfund.

Das mediane persönliche Gesamteinkommen lag bei 17.500 Pfund.

Das mediane Haushaltseinkommen lag bei 37.500 Pfund. ^↗

Diese drei Beträge beschreiben drei unterschiedliche wirtschaftliche Ebenen rund um dieselbe Person.

Das sagt häufig mehr aus als eine einzelne Zahl zum Künstler:innen-Einkommen.

4. Ein Verkaufspreis ist nicht der Betrag, von dem Künstler:innen leben können

Angenommen, ein Kunstwerk wird verkauft.

Der Verkaufspreis ist nicht automatisch das verfügbare persönliche Einkommen der Künstler:innen.

Davon können noch Kosten abgehen für:

einen vereinbarten Anteil einer Galerie oder eines anderen Partners,

Materialien,

Fertigung,

Rahmung,

Versand,

Atelierkosten,

Versicherungen,

und Steuern.

Was danach übrig bleibt, ist etwas anderes als der Verkaufspreis, der am Werk stand.

Für diesen Artikel wurde keine professionelle Quelle gefunden, die einen universellen Galerieanteil unterstützt.

Deshalb gibt es keine verantwortungsvolle weltweite Formel wie:

Das Werk wird für diesen Betrag verkauft, die Galerie erhält diesen Prozentsatz und die Künstler:innen behalten den Rest.

Vereinbarungen unterscheiden sich.

Märkte unterscheiden sich.

Kosten unterscheiden sich.

Medien unterscheiden sich.

Die hilfreiche Unterscheidung ist einfacher:

Verkaufspreis, empfangener Umsatz, Gewinn und persönliches Einkommen zum Leben sind nicht dieselbe Zahl.

Creative Australia schätzte außerdem durchschnittliche Praxiskosten von ungefähr 17.000 australischen Dollar gegenüber durchschnittlich 23.200 australischen Dollar kreativem Einkommen.

Die Autor:innen weisen selbst darauf hin, dass solche Kosten schwer genau zuzuordnen sind. ^↗

Das ist kein Beispielbudget für eine einzelne künstlerische Praxis.

Es zeigt, warum allein der Blick auf Einnahmen ein verzerrtes Bild ergeben kann.

5. Das Budget eines Auftrags ist nicht dasselbe wie das Künstler:innen-Honorar

Bei Kunst im öffentlichen Raum wird dieser Unterschied besonders sichtbar.

Ein Auftrag kann mit einem hohen Gesamtbudget ausgeschrieben werden.

Dieses Budget kann jedoch auch bezahlen müssen für:

Entwurf,

Fertigung,

technische oder statische Expertise,

Installation,

Versicherungen,

Reisen,

Beratung,

Ausstattung,

und Reserven für unvorhergesehene Kosten.

Das Honorar der Künstler:innen ist nur eine Position innerhalb des gesamten Projektbudgets.

Die für diesen Artikel untersuchten professionellen Richtlinien zu Public Art unterscheiden konsequent zwischen dem Honorar und den übrigen Projektkosten, auch wenn die genauen Anteile je nach Programm und Ort unterschiedlich sind. ^↗

Die Chicagoer Künstlerin Lynn Basa beschreibt, dass sie bei Public-Art-Projekten ungefähr 10 bis 15 Prozent des Projektbudgets als eigenes Honorar ansetzt, abhängig davon, was das Projekt benötigt.

Das ist ihre eigene Arbeitsregel. ^↗

Es ist kein allgemeiner Marktstandard.

Die wichtigste Lektion ist deshalb nicht der Prozentsatz.

Sie lautet:

Das gesamte Auftragsbudget ist nicht das persönliche Einkommen der Künstler:innen.

Bei einer bezahlten Opportunity sollte deshalb klar sein, welcher Teil tatsächlich Honorar ist und welcher Teil notwendig ist, um die Arbeit herzustellen und zu realisieren.

6. Unterrichten kann Teil der wirtschaftlichen Struktur sein

Unterrichten zeigt besonders deutlich, warum die Grenze rund um den Begriff Künstler:innen-Einkommen wichtig ist.

In der australischen Untersuchung wird Unterrichten hauptsächlich als kunstbezogene Arbeit und nicht als Einkommen aus der eigenen kreativen Praxis eingeordnet.

Unter den Künstler:innen mit kunstbezogener Arbeit ist Unterrichten die häufigste Form. ^↗

Die deutsche Untersuchung ordnet künstlerisches Lehren dagegen der künstlerischen Tätigkeit selbst zu.

Für ungefähr ein Viertel der Befragten machte Lehre einen hohen oder sehr hohen Anteil des künstlerischen Einkommens aus. ^↗

Keine dieser Einteilungen muss falsch sein.

Sie ziehen lediglich unterschiedliche Grenzen um dieselbe wirtschaftliche Realität.

Die hilfreiche Schlussfolgerung lautet:

Unterrichten kann Teil der wirtschaftlichen Struktur professioneller Künstler:innen sein, ohne dass es dasselbe ist wie das Kunstwerk selbst.

Dasselbe kann für Assistenz, Fertigung, technische Arbeit, Workshops, Vorträge oder andere Tätigkeiten im Kunstbereich gelten.

Solche Tätigkeiten bedeuten nicht automatisch, dass die künstlerische Praxis gescheitert ist.

Sie können Teil davon sein, wie die Praxis ermöglicht wird.

7. Ein anderer Job kann die Praxis finanzieren und ihr gleichzeitig Zeit nehmen

Arbeit außerhalb der Kunst ist in mehreren Untersuchungen verbreitet.

In Aotearoa Neuseeland übten 44 Prozent der Kreativschaffenden in der Untersuchung von 2022 zusätzlich bezahlte Arbeit außerhalb des kreativen Sektors aus. ^↗

In der deutschen Untersuchung unter bildenden Künstler:innen war mehr als die Hälfte sowohl künstlerisch als auch nicht-künstlerisch tätig. ^↗

Auch in der DACS-Untersuchung arbeitete eine große Minderheit zusätzlich in nicht-kreativen Tätigkeiten. ^↗

Daraus folgt keine allgemeine Regel:

Kündige deinen Job.

Aber auch keine Regel:

Behalte immer einen stabilen Job.

Arbeit außerhalb der Kunst kann finanzielle Stabilität bieten.

Sie kann Materialien oder Ateliermiete bezahlen.

Und sie kann Zeit von der Praxis wegnehmen.

Die Malerin Mariam Megalla aus Brooklyn beschrieb, dass sie zusätzliche Freelance-Arbeit annahm, um die Miete für ein neues Atelier mitzufinanzieren.

Gleichzeitig sank die Zahl ihrer Ateliertage von vier oder fünf pro Woche auf zwei oder drei. ^↗

Das beweist nicht, dass die zusätzliche Arbeit die falsche Entscheidung war.

Es zeigt den Tausch.

Geld und Zeit können sich in entgegengesetzte Richtungen bewegen.

8. Frances Bukovsky macht eine gemischte Einkommensstruktur sichtbar

Frances Bukovsky schrieb offen darüber, im vorherigen Jahr ungefähr 26.000 US-Dollar vor Steuern verdient zu haben.

Weniger als ein Drittel davon kam zusammen aus Freelance-Arbeit, Unterrichten und Kunstverkäufen.

Der größere Teil kam aus einem anderen Job.

Als die Arbeitsstunden in diesem Job reduziert wurden, sank das Einkommen in diesem Monat um ungefähr ein Viertel. ^↗

Das ist die wirtschaftliche Situation einer einzelnen Person.

Kein Standardbudget.

Der Wert des Beispiels liegt darin, dass die Struktur sichtbar wird.

Eine Praxis kann ernsthaft sein, obwohl die größte Einkommensquelle woanders liegt.

Das Beispiel verhindert außerdem eine einfache Erfolgsgeschichte.

Weniger Arbeit außerhalb der Kunst führte nicht dazu, dass künstlerisches Einkommen die Lücke sofort füllte.

Mehr verfügbare Zeit bedeutete gleichzeitig weniger Einkommen.

Der Rest blieb ungelöst.

9. Förderungen und Stipendien bezahlen meistens etwas Bestimmtes

Eine Förderung kann wie eine weitere Einkommensquelle wirken.

Manchmal ist sie das.

Aber diese Beschreibung ist oft zu allgemein.

Eine Förderung kann zum Beispiel bezahlen für:

mehrere Monate Recherche,

Materialien,

Produktion,

Reisen,

ein bestimmtes Projekt,

oder eine Phase, in der weniger andere bezahlte Arbeit nötig ist.

Das Geld kann frei einsetzbar sein.

Oder streng an bestimmte Kosten gebunden.

Es kann im Voraus ausgezahlt werden.

Oder erst nach entstandenen Kosten erstattet werden.

Eine Residency kann ein Stipendium anbieten.

Oder Unterkunft.

Oder Arbeitsmöglichkeiten.

Oder eine Kombination davon.

Oder gar kein Geld.

Article 2 in dieser Knowledge Library behandelt die Unterschiede zwischen Honorar, Stipendium, Förderung und Produktionsbudget.

Für diesen Artikel ist entscheidend, wie diese Unterstützungen in eine größere wirtschaftliche Struktur passen.

Sie sind meist zeitlich begrenzt und wettbewerblich vergeben.

Sie können ein konkretes finanzielles Problem lösen, ohne die gesamte Einkommensstruktur zu ersetzen.

Die bildende Künstlerin und Lehrende Juvana Soliven beschrieb, wie ein Joan Mitchell Fellowship es ihr ermöglichte, Kurse in Fused Glass zu bezahlen und dadurch mit einem neuen Material zu arbeiten. ^↗

Das ist eine hilfreiche Art, manche Förderungen zu verstehen.

Nicht:

Das Geld löste die Karriere.

Sondern:

Das Geld bezahlte eine konkrete Sache, die die Praxis brauchte.

10. Eine Residency kann auch Geld kosten

Für eine Residency ausgewählt zu werden bedeutet nicht automatisch, dass sich die finanzielle Situation verbessert.

Ein Programm kann anbieten:

Unterkunft,

ein Atelier,

ein Stipendium,

Reisekosten,

Materialien,

oder Mahlzeiten.

Gleichzeitig können bei den Künstler:innen Kosten bleiben für:

Reisen,

Kinderbetreuung,

entgangene bezahlte Arbeit,

Materialien,

Versicherungen,

oder laufende Kosten zu Hause.

Manche Zahlungen funktionieren außerdem als Erstattung.

Dann müssen die Künstler:innen die Kosten zunächst selbst vorfinanzieren können.

Andere Gelder dürfen nur für bestimmte Projektkosten verwendet werden.

Eine Residency kann finanziell also positiv, neutral oder negativ sein, abhängig vom Programm und von der Situation der jeweiligen Person.

Das Wort "funded" liefert deshalb allein nicht genug Informationen.

Hilfreichere Fragen sind:

Was wird genau bezahlt?

Wann wird es bezahlt?

Welche Kosten bleiben bei mir?

11. Ressourcen im Haushalt gehören ebenfalls zum wirtschaftlichen Bild

Das Einkommen der Künstler:innen und die Ressourcen, auf die sie tatsächlich zugreifen können, sind nicht immer dasselbe.

In der australischen Untersuchung gab ungefähr die Hälfte der Künstler:innen an, dass das Einkommen eines Partners oder einer Partnerin für die Unterstützung der Praxis wichtig sei.

Auch Sachleistungen und andere Formen nicht-finanzieller Unterstützung spielten eine Rolle. ^↗

Die britische DACS-Untersuchung zeigt den Unterschied anhand von drei Medianen:

12.500 Pfund selbstständiges Einkommen als bildende:r Künstler:in,

17.500 Pfund persönliches Gesamteinkommen,

und 37.500 Pfund Haushaltseinkommen.

Diese Zahlen sollen nicht darüber entscheiden, wer als Künstler:in legitimer ist.

Der Punkt ist, dass Vergleiche irreführend werden, wenn unsichtbare Unterstützung aus der Geschichte verschwindet.

Bei einer Person muss die Praxis sofort die Miete tragen.

Eine andere teilt Haushaltskosten mit jemandem.

Eine weitere hat Zugang zu günstigem Wohnraum oder einem subventionierten Atelier.

Eine andere hat solche Unterstützung überhaupt nicht.

Das verändert, wie viel wirtschaftlichen Druck die Praxis selbst tragen muss.

12. Einkommen aus einer künstlerischen Praxis kann unregelmäßig sein

Das Problem ist nicht nur, dass direkte künstlerische Einnahmen niedrig sein können.

Sie können auch unregelmäßig sein.

Verkäufe finden nicht immer vorhersehbar statt.

Projekte beginnen und enden.

Aufträge können lange laufen.

Zahlungen können verspätet eintreffen.

Eine Förderung endet.

Ein:e Auftraggeber:in zahlt später.

Während der Produktion entstehen Kosten, bevor Einnahmen gegenüberstehen.

Die australischen, deutschen, britischen und neuseeländischen Daten zeigen unterschiedliche Formen dieser Unsicherheit und machen gleichzeitig verständlich, warum viele Künstler:innen eine zweite, stabilere Einkommensquelle behalten. ^{↗ ↗ ↗ ↗}

Eine zweite Einkommensquelle steht deshalb nicht zwingend außerhalb der Ökonomie der künstlerischen Praxis.

Manchmal ist sie eine Art, deren Schwankungen abzufangen.

Das bedeutet nicht, dass diese Struktur bequem ist.

Es bedeutet, dass finanzielle Stabilität und verfügbare Zeit für die Praxis häufig gegeneinander abgewogen werden müssen.

13. Was bedeutet eigentlich "von der Kunst leben"?

Diese Formulierung klingt präzise.

Das ist sie nicht.

Sie kann bedeuten:

Alle Einnahmen kommen aus Kunstverkäufen.

Oder:

Alle Einnahmen kommen aus künstlerischer Tätigkeit, einschließlich Aufträgen und Honoraren.

Oder:

Alle Einnahmen kommen aus künstlerischer und kunstbezogener Arbeit, einschließlich Lehre.

Oder:

Der größte Teil des persönlichen Einkommens kommt aus der Kunst.

Oder:

Die Praxis trägt zu einem Haushalt bei, in dem auch andere Ressourcen den Lebensunterhalt ermöglichen.

Die Untersuchungen in diesem Dossier verwenden mehrere dieser Grenzen.

Sie können nicht zu einer einzigen Definition zusammengeführt werden.

Wenn also jemand sagt:

Ich lebe von meiner Kunst

lautet die hilfreiche Anschlussfrage:

Was bedeutet das in diesem Fall?

Verkäufe?

Honorare?

Lehre?

Förderungen?

Mehrere davon zusammen?

Haushaltseinkommen?

An keiner dieser Antworten ist etwas falsch.

Wichtig ist nur, unterschiedliche wirtschaftliche Realitäten nicht so zu vergleichen, als wären sie dasselbe.

14. Eine gemischte Einkommensstruktur bedeutet nicht, dass du noch ganz am Anfang stehst

Es ist verlockend, sich eine einfache Entwicklung vorzustellen.

Am Anfang brauchst du einen anderen Job.

Später verkaufst du mehr.

Irgendwann verschwindet die andere Arbeit.

Die Daten unterstützen das nicht als universellen Karriereweg.

In Deutschland war ausschließlich künstlerische Tätigkeit in älteren Gruppen häufiger, aber gemischte Strukturen blieben Teil des Bildes. ^↗

In Aotearoa Neuseeland arbeiteten Menschen, die sich gerade etablierten, sogar häufiger als der Durchschnitt zusätzlich außerhalb des kreativen Sektors. ^↗

Auch die australischen Daten zeigen nicht, dass gemischtes Einkommen an einem bestimmten Karrierepunkt automatisch verschwindet.

Professionelle Entwicklung kann die Mischung verändern.

Sie muss sie nicht auf eine einzige Einkommensquelle reduzieren.

Unterrichten kann wichtiger werden.

Aufträge können zunehmen.

Eine Förderung kann andere Arbeit vorübergehend reduzieren.

Das Einkommen eines Partners oder einer Partnerin kann mehr oder weniger relevant werden.

Jemand kann einen Job behalten, weil die Stabilität wichtig ist.

Es gibt keine universelle Endform.

15. Wie liest man das Geld in einer Opportunity?

Für Künstler:innen, die einen Open Call, eine Residency, eine Förderung oder einen Auftrag betrachten, lautet die hilfreichste finanzielle Frage nicht nur:

Wird das bezahlt?

Sondern:

Was für eine Art von Geld ist das?

Ein Auftrag kann enthalten:

ein Künstler:innen-Honorar,

und ein Produktionsbudget.

Eine Förderung kann bezahlen für:

Zeit,

Recherche,

Materialien,

oder nur bestimmte Projektkosten.

Eine Residency kann anbieten:

Geld,

Unterkunft,

Arbeitsmöglichkeiten,

Reisekosten,

oder eine Kombination.

Eine Ausstellung kann enthalten:

ein Künstler:innen-Honorar,

eine Ausstellungsvergütung,

die Übernahme bestimmter Kosten,

oder überhaupt keine Zahlung.

Bei einer Erstattung kann es notwendig sein, dass die Künstler:innen zunächst selbst Geld ausgeben und es erst später zurückerhalten.

Zwei Opportunities, die beide finanzielle Unterstützung anbieten, können wirtschaftlich also völlig unterschiedlich sein.

Vor einer Bewerbung helfen die Fragen:

Wofür ist dieses Geld gedacht?

Wofür darf es nicht verwendet werden?

Wann wird es bezahlt?

Muss ich etwas vorfinanzieren?

Welche Kosten bleiben bei mir?

Diese Fragen sagen häufig mehr aus als der Betrag oben in der Ausschreibung.

16. Mehr Einkommensquellen sind ebenfalls keine Garantie

Sobald sichtbar wird, dass viele Künstler:innen mit gemischten Einkünften arbeiten, liegt eine neue einfache Lösung nahe:

Mehr Einkommensquellen hinzufügen.

Arbeit verkaufen.

Unterrichten.

Workshops anbieten.

Bilder lizenzieren.

Editionen produzieren.

Förderungen beantragen.

Aufträge annehmen.

Einen Online-Shop aufbauen.

Und zusätzlich einen anderen Job behalten.

Auch daraus kann schnell eine unmögliche Liste werden.

Die Forschung in diesem Artikel zeigt nicht, dass mehr Einkommensquellen automatisch zu finanzieller Sicherheit führen.

Jede Quelle kann auch zusätzliche:

Zeit,

Verwaltung,

Risiken,

Kosten,

oder Unsicherheit erzeugen.

Das Ziel ist deshalb nicht, die Zahl der Einkommensquellen zu maximieren.

Das Ziel ist, die Struktur zu verstehen, die tatsächlich vorhanden ist.

Welche Quelle trägt gerade den größten Teil der laufenden Lebenshaltungskosten?

Welche Quelle finanziert die Praxis?

Welche Kosten setzen die Praxis unter Druck?

Welche Einkünfte sind nur vorübergehend?

Welche Arbeit verbraucht die Zeit, die zum Machen gebraucht wird?

Das ist eine finanzielle Landkarte.

Keine Formel.

Womit verdienen professionelle Künstler:innen also tatsächlich ihr Geld?

Häufig aus mehreren Quellen gleichzeitig.

Ein Teil kommt direkt aus der künstlerischen Arbeit.

Ein Teil aus Tätigkeiten rund um die Praxis.

Ein Teil aus Förderungen oder Stipendien, die vorübergehend Zeit kaufen oder eine konkrete Ausgabe bezahlen.

Ein Teil kommt aus Arbeit außerhalb der Kunst.

Manche wirtschaftliche Unterstützung liegt im Haushalt oder in Ressourcen, die Kosten reduzieren.

Und ein Teil des Geldes, das hereinkommt, fließt sofort wieder ab, weil es notwendig ist, die Arbeit überhaupt zu ermöglichen.

Eine solche gemischte Struktur bedeutet nicht, dass jemand weniger professionell ist.

Sie bedeutet aber auch nicht automatisch, dass die Praxis finanziell stabil ist.

Es gibt nicht das eine Künstler:innen-Einkommen.

Es gibt keinen universellen Punkt, an dem jede ernsthafte künstlerische Praxis vollständig von Verkäufen getragen wird.

Und es gibt keine Garantie, dass immer mehr Einkommensquellen irgendwann zu diesem Ergebnis führen.

Ein hilfreicherer Ausgangspunkt ist, die eigene Struktur klar zu verstehen.

Was bezahlt die Arbeit?

Was bezahlt dein Leben?

Was ist nur vorübergehend?

Was kostet die Praxis?

Und wenn eine Opportunity Geld anbietet, wofür ist dieses Geld eigentlich bestimmt?

Diese Fragen lösen die wirtschaftliche Realität künstlerischer Arbeit nicht.

Aber sie machen sie besser sichtbar.

Redaktioneller Hinweis

Die in diesem Artikel verwendeten Einkommensstudien arbeiten mit unterschiedlichen Populationen, Definitionen, Währungen und Zeiträumen. Ihre Zahlen sollten nicht zu einem einzigen weltweiten Durchschnitt für Künstler:innen-Einkommen zusammengefasst werden.

Begriffe wie "kreatives Einkommen", "künstlerische Tätigkeit", "Einkommen als bildende:r Künstler:in", "Erwerbseinkommen" und "Haushaltseinkommen" sind nicht austauschbar.

Einige Untersuchungen umfassen mehrere Kunstformen und nicht ausschließlich bildende Künstler:innen. Andere beruhen auf selbst ausgewählten Befragten, Förderantragsteller:innen, Mitgliedern einer Verwertungsgesellschaft oder Berufsstatistiken, in denen Künstler:innen fehlen können, wenn ihr Hauptberuf anders codiert ist.

Die Beispiele einzelner Künstler:innen illustrieren unterschiedliche Einkommensstrukturen und Abwägungen. Sie beweisen nicht, dass ein bestimmter Job, eine Förderung, ein Auftrag oder eine wirtschaftliche Struktur spätere Anerkennung oder professionelle Entwicklung verursacht hat.

Projektbudgets, Verkaufspreise und Förderbeträge sollten nicht automatisch als persönliches Künstler:innen-Einkommen gelesen werden. Kosten, Einschränkungen, Zahlungszeitpunkte und Vereinbarungen spielen eine Rolle.